In ihrer dritten Einzelausstellung bei drj zeigt Monika Brandmeier unter
dem Titel Neigung neue und frühe installative Arbeiten, Zeichnungen und
analoge Fotoarbeiten.
Die Neigung, verstanden als räumliche Tendenz, als Richtung und Bewegung,
ist eine höfliche Geste der Gravitation. So lasten, lehnen und kippen die
Elemente. Unrechte Winkel, kursiv gestellte Achsen und sacht fallende Linien
irritieren den Raum. Und ein winziger Stift wendet sich seiner Nachbarwand
zu. Die Arbeiten balancieren auf dem schmalen Grat zwischen nüchterner
Konstruktion und gestischen Dialogen.
drj
dr. julius | ap
Leberstraße 60
D–10829 Berlin
S-Bahn Julius-Leber-Brücke + Südkreuz · Bus 106 + 204
T +493024374349 · www.dr-julius.de · www.rote-insel.com
____[EN]___
S U B S T A N C E is the drj-exhibition over the turn of the
years 2018 to 2019.
Sculpture and drawing by Jan van Munster [NL]
+
Susan York [US] are complemented with photography by Friederike von Rauch [DE] and a sound
interpretation, arranged and mixed by Marcel Dettmann.
About the artists:
Since the 1960’s,
Jan van Munster, born in 1939 in
Gorinchem [Netherlands], has been using the most disparate materials, from
granite to wood, from humidity to light, in his sculptural work to make his
engagement with the artistic transformation of natural phenomena tangible.
He visualizes these tensions and oppositions, for example between heat and
cold, light and darkness, or positive and negative polarity, in clear
three-dimensional, geometric and technical forms. He counts as one of the
most important and well-known minimal-concrete Dutch artists.
The focus in SUBSTANCE is on neon works and drawings as well as on
sculptures that visualize magnetism as a force of nature.
Van Munster’s can be seen not only in important public and private
collections and museums, but also in many public spaces.
Jan van Munster lives and works in Oost-Souburg, Zeeland [NL] and is the
founder and operator of the IK Foundation there.
Susan York’s sculpture and drawing live in the tradition
of American Minimal Art yet her work has its own unique identity. The
silvery black shimmering and always slightly asymmetrical cubes are created
from pure, fine graphite powder. The artist compresses the powdery material
into refractory forms and fires them to a high temperature in a kiln.
Compact cubes of various sizes are created in this way. The raw forms then
undergo their forming process by being cut and polished in a very extensive
process. Hovering on the wall they betray nothing of their massive, heavy
contents. They just shimmer – far removed from this world – catching the
light and invite the viewer and his astonished eye to contemplate.
“The quiet, constant world of repetition forms my work. My hope is that the
viewer can taste this calm and sink into its emptiness.”, Susan York writes.
Her graphic work also follows this principle.
Susan York was born in 1951 in Newport, Rhode Island, she lives and works in
Santa Fe, New Mexico, USA.
Architecture, landscape, and surfaces are the subjects of
Friederike von Rauch’s photographs. In carefully selected details,
the artist consistently brings the essential to the fore. The photographs
distinguish themselves through a certain timelessness as well as an absence
of place. With her particular way of «emptying” her images, she attains an
intense degree of reduction in material content.
The images are marked not by their staging but rather by their stillness and
concentrated state. The subject is often of secondary importance. The tight
focus on the detail leads to the abstraction of the thing depicted; the
observer surmises that she is seeing the intrinsic nature of the motif. The
artist’s insistence on a purist aesthetic begins with her very decision to
work with an analogue camera; it involves a deliberate choice of subject as
well as intent decisions about the composition and the right lighting
conditions at the site.
Light plays a defining role in the photographs, which capture harmonic
ambiences of luminosity that, together with the smooth transitions on the
mat surface of the paper, are crucial to the sensuality of the images. The
cool aesthetic seems to counter an emotionality that is difficult to grasp.
This is what invites the viewer to reflect deeply on the subjects of her
images.
Friederike von Rauch was born in Freiburg in 1967 and studied at the
Universität der Künste in Berlin. She lives and works in Berlin.
»RAUCH«
is a sonic interpretation of the work of photographer Friederike von Rauch,
composed collaboratively by Berlin-based producers Felix K, Marcel Dettmann,
Sa Pa and Simon Hoffmann. Arranged and mixed by
Marcel Dettmann, the
recording stands in dialogue with von Rauch’s architectural images of
post-World European monasteries, including La Tourette by Le Corbusier near
Lyon, Roosenberg Abbey near Ghent and Maria Regina Martyrum in Berlin. The
images were first exhibited together with the music on the LP as part of an
installation for von Rauch’s solo show »insgeheim« («in secret”), held at
the Goethe-Institut Paris during the international Paris Photo art fair in
November 2017.
While the complimentary relationship between the sounds of »RAUCH« [«smoke”]
and the images exhibited invites interpretation, both can also be
experienced as separate artistic entities. On the 42-minute-long LP, drones,
modulating harmonic soundscapes and implied rhythms maintain an abstract
emotional core while occasionally taking on vaporous, amorphous qualities.
Similarly, von Rauch’s images – often borderline abstract in composition –
resist being identified by location or spatial context. Nevertheless, they
also hint at their spiritual origin. »RAUCH« is part of an ongoing artistic
collaboration between Marcel Dettmann and Friederike von Rauch, which
includes 2011’s Ash installation and three photographic works for Dettmann
releases on Ostgut Ton.
S U B S T A N C E ist die drj-Ausstellung über den Jahreswechsel von 2018 nach 2019.
Skulptur und Zeichnung von
Jan van Munster [NL] +
Susan York [US] werden ergänzt durch Fotografie von Friederike von Rauch [DE] und einer Klanginterpretation, arrangiert und gemischt von Marcel Dettmann [DE]
Über die Künstlerinnen und die Künstler:
Jan van Munster, 1939 in Gorinchem [NL] geboren, nutzt seit den 1960er
Jahren als Bildhauer verschiedenste Medien, von Granit bis Holz, von Luftfeuchtigkeit bis Licht, um seine Auseinandersetzung mit der
künstlerischen Transformation natürlicher Phänomene erfahrbar zu machen. Deren Spannungen und Gegensätze, etwa zwischen Hitze und Kälte, Hell und
Dunkel oder Plus- und Minuspolarität, veranschaulicht er in klaren plastischen, geometrischen und technischen Formen.
Der Fokus in SUBSTANCE liegt auf Neon-Arbeiten und Zeichnungen sowie auf
Skulpturen, die den Magnetismus als Naturkraft visualisieren.
Jan van Munster gehört zu den bekanntesten und wichtigsten niederländischen
Künstlern einer minimal konkreten Kunstauffassung. Neben Arbeiten in
bedeutenden öffentlichen und privaten Sammlungen und Museen sind vielerorts
im öffentlichen Raum Kunstwerke van Munsters präsent.
Jan van Munster lebt und arbeitet in Oost-Souburg, Zeeland [NL] und ist
Gründer und Betreiber der Stiftung IK dort.
Die Arbeiten von
Susan York
leben in der Tradition des amerikanischen Minimal und genießen
dennoch ihre absolute Eigenheit. Die schimmernden, silbrigschwarzen, immer
leicht asymmetrischen Kuben entstehen aus feinstem Graphitstaub. Die
Künstlerin presst diesen in keramische Formen und brennt sie anschließend
bei hoher Temperatur im Brennofen. So entstehen kompakte Kuben
unterschiedlichster Ausmaße. Die Rohlinge erfahren dann erst ihre
eigentliche Gestaltung, indem sie in einem aufwendigen Polierprozess
geglättet werden und dadurch ihre endgültige Form erhalten. Ihre fast
schwebende Anmutung an der Wand verrät nichts von ihrem massiven,
gewichtigen Gehalt, eher schimmern sie leicht realitätsfern, das Licht
einfangend und den Betrachter zur staunenden Kontemplation einladend.
„Die ruhige, konstante Welt der Wiederholung prägt mein Werk. Ich hoffe,
dass der Betrachter diese Ruhe spüren kann und sich fallen lässt in diese
Leere.“, so Susan York.
Auch ihr zeichnerisches Werk folgt diesem Grundsatz.
Susan York wurde 1951 in Newport, Rhode Island geboren, sie lebt und
arbeitet in Santa Fe, New Mexico, USA.
Architekturen, Landschaften und Oberflächen – das sind die Motive der Fotografien von
Friederike von Rauch.
In ausgewählten Detailaufnahmen rückt sie konsequent und
ausschließlich das Wesentliche in den Bildvordergrund. Die Fotografien
zeichnen sich durch eine gewisse Ort- und Zeitlosigkeit aus und indem die
Künstlerin ihre Bilder »entleert«, erreicht sie ein hohes Maß an
inhaltlicher Reduktion.
Nicht die Inszenierung, sondern Stille und Konzentrat kennzeichnen die
Bilder, das Motiv wird dabei oft nebensächlich – die enge Fokussierung des
Bildausschnitts führt zu einer Abstraktion des Dargestellten, in der der
Betrachter das Wesenhafte des Motivs zu sehen vermutet. Der Anspruch von
Rauchs nach einer puristischen Ästhetik beginnt bereits bei der
Entscheidung für die analoge Kamera, die eine bewusste Motivwahl, eine
konzentrierte Entscheidung des Bildausschnittes sowie die richtigen
Lichtverhältnisse vor Ort impliziert.
Das Licht spielt in den Fotografien eine wesentliche Rolle. Sie fängt
harmonische Lichtstimmungen ein, die zusammen mit den weichen Verläufen der
matten Oberfläche des Papiers ausschlaggebend sind für die Sinnlichkeit der
Bilder.
Der kühlen Ästhetik steht eine schwer zu greifende Emotionalität
gegenüber. Sie ist es, die den Betrachter auffordert, sich einzulassen auf
ihre Bildmotive.
Friederike von Rauch, geboren 1967 in Freiburg, studierte an der UDK in
Berlin. Sie lebt und arbeitet in Berlin.
»RAUCH« ist eine klangliche Interpretation der Arbeit der Fotografin
Friederike von Rauch, die von den Berliner Produzenten Felix K,
Marcel Dettmann, Sa Pa und Simon Hoffmann gemeinsam komponiert
wurde. Arrangiert und gemischt von Marcel Dettmann, steht die Aufnahme im
Dialog mit Rauchs Architekturbildern von europäischen Klöstern aus der
Nachkriegsmoderne, darunter La Tourette von Le Corbusier in der Nähe von Lyon,
die Abtei
Roosenberg bei Gent und Maria Regina Martyrum in Berlin. Die Arbeiten
wurden erstmals zusammen mit der Klanginterpretation im Rahmen einer Installation für
von Rauchs Einzelausstellung »in secret« gezeigt, die im November 2017 im
Goethe-Institut Paris während der Internationalen Kunstmesse Paris Photo
stattfand.
Während die Beziehung zwischen den Geräuschen von »Rauch« und den in Paris
gezeigten Bildern zur Interpretation einlädt, können beide auch als separate
künstlerische Einheiten erlebt werden. Auf der 42-minütigen LP erhalten harmonische Klanglandschaften und innere Rhythmen
modulierende rohnen einen abstrakten emotionalen Kern, während sie
gelegentlich nebelartige, formlose Qualitäten annehmen.
In ähnlicher Weise widersetzen sich die Bilder von Rauch - oft in der
Komposition grenzenlos abstrakt - der Zuordnung zu einemgenauen Ort oder
einem räumlichem Kontext. Dennoch verweisen sie direkt auf spirituellen Ursprung.
»RAUCH« ist Teil einer fortlaufenden künstlerischen Zusammenarbeit zwischen
Marcel Dettmann und Friederike von Rauch, zu der etwa die Ash-Installation
von 2011 und
drei Fotoarbeiten für Veröffentlichungen von Dettmann auf Ostgut Ton gehören.
PACELINE is the title of the duo exhibition, that, from October 25 to
November 24, 2018, faces painting by Alain Biltereyst and minimal-kinetic
sculpture by Siegfried Kreitner at drj.
Pace is about speed, a paceline means a team effort... .
Arranged with a practiced eye and painted with a confident hand,
Alain Biltereyst’s [b. 1965, BE] works consist of motifs derived
from his observation of the forms, colors, and signs used in everyday visual
communication. Commercial art from signs and posters as well as logos and
designs from trucks and delivery vans may thus become the starting point for
his images. By focussing and analysing the underlying design principles of
what we see, he conveys visual impulses and develops his own specific
artistic interpretation.
His painting is characterised by an unpretentious, almost casual-seeming
execution. This gives rise to a non-chalant and extremely unique character
which, combined with a visual language that is in itself minimal and
unspectacular, has an extraordinary, almost poetic effect. Biltereyst paints
on plywood boards, often making small-format panels of formally concentrated
compositions, or expanding to medium-large formats for more complex graphic
constructions. His work however also includes room-high, in-situ wall
paintings executed directly on whatever surface is present.
The pieces also contain a temporal element, however, which lends them their
special, literally multilayered character. Biltereyst’s method of production
means that his pieces are not immediately granted eternal value—neither by
the artist himself nor just by virtue of their own qualities: anything that
is produced in his studio and doesn’t immediately leave it is subjected to
continual revision. And any pieces that don’t pass the artist’s muster in
the long run are turned back into raw material and covered with new content
in the next phase of work. This layered way of working results in lively and
individual surfaces whose previous versions can be sensed rather than
actually seen.
Alain Biltereyst lives and works near Brussels, and has exhibited
internationally in galleries, art fairs, and museums, with great success.
His work has already been shown at drj in START-UP! [2017] and DECADE ONE
[2018].
Matthias Seidel, drj, 2018
Translated by Anne Posten
Many of Siegfried Kreitner‘s [b. 1967, DE] sculptures are
mobile - albeit they move so slowly that some hurried exhibition visitors
whose eyes are trained to quickly access information do not even notice it
at first glance.
Kreitner himself characterises his works as minimal
kinetic, an ambivalent term that one can understand to mean that the
movement has been reduced to the necessary minimum, not only as regards
speed but also with a view to its importance in the overall appearance of
the objects. The kinetic is so minimal that these works should not be
categorised under the heading kinetic art. The same is true of the light
that shines from the interior of many of Kreitner‘s objects. While light
plays a certain role defined by the overall image of the works, this does
not mean that Siegfried Kreitner is a light artist.
Despite the fact that
movement and light are not among the usual features of sculpture and
therefore always attract special attention, Kreitner does not regard them as
the crucial elements of his works and by no means their objective. Kreitner
sees himself as a classic sculptor who consequently occupies himself with
classic sculptural themes. These include volume, mass and proportion and the
harmonisation of form and material, for which technical precision represents
a considerable prerequisite. Yes, the good old craftsmanship that is
denounced by some exponents and theorists of contemporary art as „mere
craftsmanship“ and seen as the antithesis of idea and concept. Kreitner‘s
most important themes, however, are the impact made by the objects in space
as well as their relationship to the viewer. Both aspects were particularly
crucial for the work of 20th century American minimal artists. As such, the
other contrasting meaning of the words minimal kinetic is named with its
clear indication of the influential role played by minimalism for Siegfried
Kreitner.
From: Peter Lodermeyer – Siegfried Kreitner. Minimal Kinetic, Ars
Mechanica, Purposiveness without a Purpose.
In: Siegfreid Kreiter – Begleitbuch zur Arbeit 1996 - 2018, Freiburg i.B.,
2018, S. 59
Translated by Michael Wolfson
drj - dr. Julius | ap · Leberstraße 60 · D-10829 Berlin
PACELINE ist der Titel der Duo-Ausstellung, die vom 25. Oktober bis 24.
November 2018 Malerei von Alain Biltereyst und minimal-kinetische
Skulptur von Siegfried Kreitner bei drj gemeinsam zeigt.
Pace bedeutet Tempo, die Paceline entsteht durch Teamleistung... .
Mit geübtem Auge gesetzt und mit sicherer Hand gemalt, bestehen
Alain Biltereysts [*1965, BE] Arbeiten aus Motiven, die aus seiner
Beobachtung des Gebrauchs von Formen, Farben und Zeichen der alltäglichen
Visuellen Kommunikation abgeleitet sind. Gebrauchsgrafiken auf Schildern,
Plakaten sowie Logos und Gestaltungen auf LKW-Planen oder Firmentransportern
können so zum Ausgangspunkt für die Entwicklung seiner Bildinhalte werden.
Durch Fokussierung und Analyse der zugrundeliegenden Gestaltungsprinzipien
des Gesehenen, überträgt er die visuellen Impulse und entwickelt seine
spezifische künstlerische Interpretation.
Seine Malerei zeichnet sich dabei durch eine unprätentiös, fast schon lässig
wirkende Ausführung aus. Sie erzeugt einen nonchalanten, äußerst
individuellen Charakter, der sich mit der an sich minimalen und
unspektakulären Motivsprache zu einer außergewöhnlichen, nahezu poetischen
Wirkung verbindet. Dabei nutzt er als Bildträger stets Sperrholzplatten, oft
als kleinformatige Tafeln auf denen sich die Kompositionen förmlich selbst
verdichten, bis hin zu mittelgroßen Formaten für komplexe grafische
Konstruktionen. Aber auch raumhohe in situ Wandarbeiten, die direkt auf
vorgefundenen Oberflächen ausgeführt sind, zeichnen sein Werk aus.
Es wohnt den Arbeiten jedoch auch ein zeitliches Moment inne, das den
besonderen und im Wortsinne vielschichtigen Charakter der Werke mit
bestimmt. Denn die Produktionsweise Alain Biltereysts beinhaltet auch, dass
den Bildern von ihm und für sich selbst nicht per se ein Ewigkeitswert
zugewiesen wird: Was in seinem Atelier entsteht und dort zunächst verbleibt,
wird einer andauernden Revision unterzogen. Und was vor dem Blick des
Künstlers nicht auf Dauer besteht, wird zurücksortiert, wieder dem
Rohmaterial zugeordnet und schließlich in einem nächsten Arbeitsgang mit
neuem Inhalt belegt. Dadurch bilden sich folgerichtig schichtweise,
unmittelbar aus dieser Arbeitsweise entstehende, sehr lebendig anmutende und
individuelle Oberflächen heraus, denen ihre Vor-Versionen eher anzumerken
als tatsächlich anzusehen sind.
Alain Biltereyst lebt und arbeitet in der Nähe von Brüssel und hat
international zahlreich und erfolgreich in Galerien, auf Messen und in
Museen ausgestellt. Hier bei drj war er bereits in START-UP! [2017] und DECADE
ONE [2018] zu sehen.
Matthias Seidel, drj, 2018
Viele der Skulpturen von Siegfried Kreitner [* 1967, DE]
bewegen sich - und zwar so langsam, dass es manchen eiligen
Ausstellungsbesuchern, deren Auge auf das schnelle Erfassen von Information
trainiert ist, zunächst gar nicht auffällt.
Kreitner selbst bezeichnet seine
Arbeiten als Minimalkinetik, ein mehrdeutiger Ausdruck, „den man auch so
auffassen kann, dass sie Bewegung auf ein notwendiges Mindestmaß
beschränkt ist, nicht nur was ihre Geschwindigkeit, sondern vor allem was
ihre Gewichtung in der Gesamterscheinung der Objekte betrifft. Die Kinetik
ist so minimal, dass diese Arbeiten nicht unter dem Etikett Kinetische Kunst
subsumiert werden sollten. Gleiches gilt auch für das Licht, das aus dem
Inneren vieler von Kreitners Objekten hervorleuchtet. Licht spielt eine
gewisse, vom Gesamtbild der Arbeiten her definierte Rolle, zum Lichtkünstler
macht es Siegfried Kreitner damit jedoch nicht.
Auch wenn Bewegung und Licht
nicht zu den üblichen Eigenschaften von Skulptur gehören und daher immer
besondere Aufmerksamkeit auf sich ziehen, sind sie für Kreitner keineswegs
die zentralen Charakteristika und schon gar nicht die Intention seiner
Arbeit. Kreitner sieht sich als klassischen Bildhauer, der sich folglich mit
klassischen bildhauerischen Themen befasst: Volumen, Masse, Proportion und
das Zusammenstimmen von Form und Material, wofür handwerkliche Präzision
eine nicht zu unterschätzende Voraussetzung ist - ja, das gute alte
Handwerk, das von manchen Vertretern und Theoretikern der Gegenwartskunst
als „bloßes Handwerk“ denunziert und in einen Gegensatz zu Idee und Konzept
gerückt wird. Zu den wichtigen Themen gehören für Kreitner aber vor allem
die Wirkung der Objekte im Raum und ihre Beziehung zum Betrachter. Beides
wurde im 20. Jahrhundert in besonderem Maße von den Vertretern der
amerikanischen Minimal Art in den Mittelpunkt der künstlerischen Arbeit
gerückt - und damit ist der andere Bedeutungspol des Wortes Minimalkinetik
benannt: sein deutlicher Hinweis auf die impulsgebende Rolle des
Minimalismus für Siegfried Kreitner.
Aus: Peter Lodermeyer – Siegfried Kreitner.Minimalkinetik, ars mechanica,
Zweckmäßigkeit ohne Zweck.
In: Siegfreid Kreiter – Begleitbuch zur Arbeit 1996 - 2018, Freiburg i.B.,
2018, S. 56.
drj - dr. Julius | ap · Leberstraße 60 · D-10829 Berlin
IN PARABOLA is a duo exhibition with works by Spanish artist Lucía Simón Medina and Julius Stahl from Berlin, that will be opened in a Sunday matinee at the beginning of Berlin Art Week. The exhibition will juxtapose Lucía’s major work The name on the tip of the tongue , that highlights cryptography and numbers as basic aspects of contemporary life, with new luminographic works and a sound based kinetic sculpture of Julius.
Lucía Simón Medina's [b. 1987, Santander/ES] artistic
research focuses on the intersection between language, logic, mathematics,
movement and musicality. On one hand, she attempts to analyse the
transcription and the deconstruction from one discipline into another, and
on the other, to investigate the moment before thoughts begin to be
conceptualised into words. Her work includes audiovisual compositions and
installations based on numbers notations. Recently her practice has been
inspired by encryption systems based on prime numbers used on the internet.
Lucia Simón Medina has received numerous awards and scholarships, such as of
the Academy of Arts, Berlin, artist-in-residence program KulturKontakt
Austria, Vienna, Premio de Artes Plásticas, Gobierno de Cantabria, Santander
or the sponsorship prize of ZC Goslar St Barbara "Women in Artistic
Professions".
Since 2017 she is a programme artist of drj – dr. julius | ap and will thus
be represented in 2019 with The name on the tip of the tongue in
the exhibition "Painted Diagrams" of the Museum of Concrete Art Ingolstadt,
as well as José Heerkens and Willem Besselink.
Julius Stahl [b. 1978, Witten/DE] came to visual
arts through music: Beginning with the composition of electro-acoustic
pieces for audio tape and loudspeaker and continuing through live electronic
performances, he has increasingly expanded his artistic spectrum to include
three-dimensional works and spatial installations. His engagement with sound
and movement “… from physical movement to movement between the senses.
Interferences in sensory spaces, between the visible and the audible, based
on resonance …”, as he puts it, has led to a particular strain of pictorial
work. In his work Julius Stahl draws on fundamental acoustic phenomena, in
particular oscillations and sound waves, which we experience as tones, noise
or simple resonances. Sound—often from the inaudible range—and the
visualization of resonance itself are the major themes of his work. His work
has been awarded many prizes and grants, most recently the 2015 DEW21
Kunstpreis of Dortmund. He has participated in important festivals like the
Ars Electronica Linz and Transmediale Berlin, and his work has been shown in
renowned museums like the Zentrum für Kunst und Medientechnologie [ZKM] in
Karlsruhe.
Since 2013, Julius Stahl has been part of the dr. julius | ap artistic
programme and had his first gallery exhibition here.
He will be on view in the exhibition "The Spiritual in Art" at the Museum
Concrete Art Ingolstadt from September 30, 2018.
IN PARABOLA ist eine Duo-Ausstellung mit Werken der
spanischen Künstlerin Lucía Simón Medina und Julius Stahl aus Berlin, die
mit einer Sonntagsmatinee am Beginn der Berlin Art Week eröffnet. Die
Ausstellung stellt Lucías Großwerk The name on the tip of the tongue,
welches Kryptographie und Zahlen als grundlegende Aspekte des zeitgenössischen
Lebens beleuchtet, gemeinsam mit neuen luminographischen Arbeiten und einer
Klang-basierten kinetischen Skulptur von Julius aus.
IM ÜBERTRAGENEN SINNE - der metaphorischen Bedeutung des Ausstellungstitels
- machen die beiden Künstler allgegenwärtige, aber nicht bewusste und damit
allgemein nur wissenschaftlich erklärbare Naturerscheinungen sichtbar, geben
ihnen eine künstlerische Form und ermöglichen als Konsequenz ihrer
inhaltlichen Konzepte den Betrachtern eine neue Erfahrung.
Lucía Simón Medinas [*1987 in Santander/ES]
künstlerische Forschung zielt auf die Schnittstelle zwischen Sprache, Logik,
Mathematik, Bewegung und Musikalität. Einerseits versucht sie, die
Transkription und Dekonstruktion von einer Disziplin in die andere zu
analysieren und auf der anderen Seite jenen Moment zu untersuchen, bevor
Gedanken in Worte gefasst werden. Ihre Arbeit umfasst audiovisuelle
Kompositionen und Installationen, die auf numerischen Notationen basieren.
Kürzlich wurde ihre Praxis von Verschlüsselungssystemen inspiriert, die auf
Primzahlen basieren, die im Internet verwendet werden.
Lucia Simón Medina hat zahlreiche Auszeichnungen und Stipendien erhalten, so
etwa das Stipendium der Akademie der Künste, Berlin,
Artist-in-Residence-Programm KulturKontakt Austria, Wien, Premio de Artes
Plásticas, Gobierno de Cantabria, Santander oder den Förderpreis des ZC
Goslar St. Barbara „Frauen in Künstlerischen Berufen“.
Seit 2017 ist sie Programmkünstlerin von drj – dr. julius | ap und wird so
2019 mit The name on the tip of the tongue in der Ausstellung
"Gemalte Diagramme" des Museum für Konkrete Kunst Ingolstadt vertreten sein,
wie auch José Heerkens und Willem Besselink.
Julius Stahl [*1978 in Witten/DE] ist über die Musik zur
Bildenden Kunst gekommen: Von der Komposition elektroakustischer Stücke für
Tonband und Lautsprecher über Live-Elektronik Auftritte erweiterte er
zunehmend sein künstlerisches Spektrum hin zu Objektkunst und räumlichen
Installationen. Im Laufe seiner Auseinandersetzung mit den Themen Klang und
Bewegung „...von physikalischer Bewegung zur Bewegung zwischen den Sinnen.
Interferenzen von Sinnesräumen, zwischen Sicht- und Hörbarem, ausgehend von
Resonation...“, wie er selbst schreibt, hat ein eigener Arbeitsstrang in die
Gestaltung bildnerischer Werke geführt. Julius Stahl bezieht seine Arbeiten
aus elementaren Phänomenen des Akustischen, nämlich Schwingungen und
Schallwellen, die uns als Ton, Geräusch oder schlicht Resonation begegnen.
Klang, oft aus dem unhörbaren Bereich, und Resonation an sich sichtbar zu
machen sind Hauptthemen seiner Werke. Seine Arbeiten wurden vielfach mit
Preisen und Förderungen ausgezeichnet, zuletzt 2015 mit dem DEW21
Kunstpreis, Dortmund. Sie waren auf bedeutenden Festivals wie der Ars
Electronica Linz oder der Transmediale Berlin und in renommierten Museen wie
dem Zentrum für Kunst und Medientechnologie [ZKM] Karlsruhe zu sehen.
Seit 2013 ist Julius Stahl Programmkünstler bei drj – dr. julius | ap und
hatte hier seine erste Galerieausstellung.
Er wird ab 30. September 2018 in der Ausstellung "Das Geistige in der Kunst"
im Museum Konkrete Kunst Ingolstadt zu sehen sein.
Anna-Maria Bogner’s [*born 1984 in Schwaz, Tyrol, Austria] artistic background is in installed sculpture, with a focus on the relationship between space and its perception. Her works—three-dimensional installations and objects as well as drawings—always consciously aim at ambiguity. At first glance, the latter appear to depict geometric spatial structures drawn according to the rules of one-point perspective, with boundaries defined by precise lines. Seen through an architectonic-analytic lens, however, they reveal shifted, doubled, or displaced vanishing points, and become virtual, unrealizable concepts. Her sculptural works, on the other hand, are quite real and physically present, for the most part developed for existing spaces and realized in situ. Yet they too demand a viewer’s concentrated, deciphering eye to comprehend their subtle exploration of the interrelation between movement and the experience of space, and to appreciate their place in the surrounding room.
Anna-Maria Bogners's first apperance at drj was 2015 in the duo exhibition THE CONTINUITY OF ATTENTION with Esther Stocker.
Jan Maarten Voskuil [b. 1964, Arnhem, NL] has always
engaged with painting as object, which is to say with the object-quality of
painting. The frame, the stretched canvas, and the paint applied to it
become the starting point for three-dimensional works created through
plastic molding. This process turns pictures ultimately into sculptural
objects that consist of curved frames and individual elements that bend in
space. The bent and cut segments of such a piece are usually highly-colored
monochromatic surfaces that follow a geometric modulation of form, tracing
this modulation and making it manifest. Color and surface configuration are
thus the media of the sculptural quality of the painting-object. Voskuil’s
artistic development included a long period in which he deconstructed his
materials to the point of complete decomposition, creating pieces where form
was utterly exploded — only later to turn back toward the forms of ideal
geometry such as the rectangle, the square, and the circle, bringing to bear
new understandings and insights gained from his engagement with this theme.
In this way, both the figural modulations and his artistic skill have grown
toward mastery, making his pieces fascinating not only for their unique
formation but also for their technical craftsmanship.
Jan Maarten Voskuil’s work can be found in galleries, museums, and public
and private collections across Europe, the United States, Australia, and
Asia. His former duo-exhibitions at dr. julius | ap were BLACKOUT with Don
Voisine in 2016 and D-FORM with Ewerdt Hilgemann in 2014.
Anna-Maria Bogner [*1984 in Schwaz, Tirol, AT] hat ihren
künstlerischen Hintergrund in der installativ eingesetzten Skulptur mit dem
Fokus auf die Beziehung von Raum und dessen Wahrnehmung. Dabei sind ihre
Arbeiten stets bewusst auf Mehrdeutigkeit hin angelegt, sowohl in den
dreidimensionalen Installationen und Objekten als auch in ihren Zeichnungen.
Diese sind auf den ersten Blick nach den Regeln der Zentralperspektive
geometrisch konstruierte Raumgebilde, deren Begrenzungen durch exakt
geführte Linien definiert sind. Wer sie aber mit
architektonisch-analytischem Blick zu lesen beginnt, entdeckt zum Teil
Verschiebungen, Doppelungen oder versetzte Anordnungen der Fluchtpunkte,
wodurch die gezeichneten Raumbilder zu virtuellen, so nicht realisierbaren
Entwürfen werden. Ihre plastischen Werke hingegen sind zwar ganz real und
physisch vorhanden, dabei zumeist an der existierenden räumlichen Situation
entwickelt und in situ realisiert worden, doch verlangen auch sie vom
Betrachtenden den genauen und dechiffrierenden Blick, um ihre subtile und
auf die Wechselbeziehung von Bewegung und Raumerfahrung ausgerichtete
Konstruktion zu erfassen und die Setzung im umgebenden Raum zu verstehen.
Anna-Maria Bogner war zum ersten mal 2015 bei drj in der Duo-Ausstellung THE
CONTINUITY OF ATTENTION mit Esther Stocker zu sehen.
Jan Maarten Voskuil [*1964 Arnhem/NL] hat sich mit
Malerei schon immer auch als Gegenstand an sich, also mit dem objekthaften
des Bildes auseinander gesetzt. Der Keilrahmen, die gespannte Leinwand und
die darauf aufgetragene Farbe wurden so zum Ausgangspunkt einer
dreidimensionalen Bearbeitung mittels plastischer Verformung. Mehr und mehr
wurden aus Bildern dadurch skupturale Objekte, die aus gekurvten Rahmen und
räumlich gewölbten Einzelelementen bestehen. Auf den gekrümmten und
verschnittenen Segmenten eines solchen Werkes finden sich dabei zumeist
farbgebende, monochrome Flächen, die geometrisch der Form-Modulation folgen,
diese nachzeichnen und so deren Erfahrbarkeit unterstützen. Farbe und
Oberflächenbeschaffenheit werden dadurch zum Medium für die skupturale
Qualität der Bild-Objekte.
In seiner künstlerischen Entwicklung hat Voskuil lange Zeit das
Ausgangsmaterial bis in die vollkommene Auflösung dekonstruiert, förmlich
explodierte Gemälde geschaffen, um diese in der Folgezeit – mit den
Erkenntnissen und Einblicken dieser Auseinandersetzung – wieder nahe an
Formen der Ideal-Geometrie, an Rechteck, Quadrat und Kreis orientiert,
zusammenzuführen. Auf diesem Weg haben sich sowohl die Modulation der
Gestalt als auch seine künstlerischen Fertigkeiten zu großer Meisterschaft
weiterentwickelt, so dass seine Malerei-Objekte neben der einzigartigen
Formgebung vor allem auch durch das hohe Maß an technisch-handwerklicher
Präzision in ihrer Ausführung faszinieren.
Jan Maarten Voskuil ist in Galerien, Museen, öffentlichen und privaten
Sammlungen in Europa, den USA, Australien und Asien vertreten. Seine
bisherigen Duo-Ausstellungen bei dr. julius | ap waren BLACKOUT mit Don
Voisine 2016 und D-FORM mit Ewerdt Hilgemann im Jahr 2014.
_ 6. Mai bis 16. Juni 2018 Λ top
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Find our current programme artists and all past exhibitions listed and linked above.
More information will be added constantly.
In der Ausstellung THIS IS ORANGE sind neueste Arbeiten
von
Stephan Ehrenhofer zu sehen.
Der Schwerpunkt liegt dabei auf seinem spezifischen Umgang mit Farbe: Seit
jeher ein wesentlicher Schwerpunkt innerhalb seines Werks, wird seine
aktuelle, mit den Mitteln der Malerei intensiv und grundlegend geführte
Auseinandersetzung sichtbar. Dabei bestärkte wie neu gewonnene Impulse sind
in installativen Wandarbeiten, materialverknüpfenden Objekten sowie
Malereien auf Papier übertragen und bilden einen vielgestaltigen Querschnitt
seiner künstlerischen Haltung und deren substantieller Weiterentwicklung ab.
Diese Einzelausstellung schließt das zehnte Jahr des Bestehens von dr.
julius | ap ab.
Mit DECADE ONE wird in einer Groß-Accrochage aus bekannten
wie teils ungezeigten Arbeiten aller Programmkünstler/innen im Mai 2018 eine
Rückschau auf diese ersten 10 Jahre unserer inhaltlichen Arbeit an
konzeptuell minimal konkreter Kunst zu sehen sein, die gleichzeitig einen
Ausblick auf die Zukunft bieten wird.
Stephan Ehrenhofer [*1964 in Zürich] ist seit 2008 fester Bestandteil im
Programm von dr. julius | ap.
Er verbindet seine aus der Textilkunst weiter entwickelte Prägung des
planmäßigen Verwebens, dreidimensionalen Verzahnens oder schichtweise
Verknüpfens unterschiedlicher Werkstoffe und Medien immer mit seiner sehr
ausgeprägt individuellen Farbpalette zu stark in den umgebenden Raum
ausstrahlenden Objekten. Dabei hat er in seiner spürbaren Lust am
Experimentieren mit Material und Form seit vielen Jahren höchst
unterschiedliche Werkreihen und Objektgruppen geschaffen, deren vielfältige
Ausdrucksformen jedoch stets einer gleichen Grundhaltung folgen: Dass im
künstlerisch und konstruktiv genau durchdachten Verbinden von bislang so
nicht zusammen gefügten Stoffen neue Wahrnehmungs- und Denkebenen eröffnet
werden. Diese Grundhaltung ist dabei der eigentliche Rote Faden in den
Arbeiten von Ehrenhofer. Insofern sind alle seine Arbeiten stets Produkte
materialisierter geistiger Freiheit, die keine Vorbilder aus der Dingwelt
abbilden sondern Neuschöpfungen aus seiner lebenslangen Beobachtung, Analyse
und daraus abgeleiteten Synthetisierung des in der Welt Erkannten sind.
Der Schlüssel zum Verständnis des inneren Zusammenhangs aller künstlerischen Werke von Stephan Ehrenhofer liegt in seiner Arbeit in der Meisterklasse für Tapisserie im Rahmen seines Kunststudiums an der Hochschule für angewandte Künste Wien. Die Auseinandersetzung mit den tradierten Techniken, handwerklichen Charakteristika und bilderzeugenden Methoden der Bildwirkerei mit dem Ziel, diese in Ausdrucksformen zeitgenössischer Kunst zu überführen, bestimmt auf all den vielfältigen Arbeitsfeldern und in den unterschiedlichsten Werkgruppen seines mittlerweile im dritten Jahrzehnt andauernden künstlerischen Schaffens das Grundrepertoire seines produktiven Suchens. Es geht ihm darum, nach vorab entwickeltem Konzept und daraus entworfenem Plan dem Wesentlichen seiner Auseinandersetzung Form zu geben: Mit unterschiedlichsten Werkstoffen, durch materialschlüssige Verbindungen und daraus abgeleiteten konstruktiven Verknüpfungen Arbeiten und Werkgruppen, zu erschaffen, an deren jeweiligen Erscheinungsformen sich seine weiteren Themen, wie das Zusammenspiel von Farbe und Farbraum, von Strukturen und Ordnungen sowie deren Brüche und Widersprüche, erkennen lassen. Dies schließt unmittelbar ein, dass seine Arbeiten stets vollkommen aus sich selbst und ihrer inneren, konzeptuell entwickelten Logik heraus entstehen und daher frei sind von jedweder Gegenständlichkeit, von Symbolismen oder Expression.
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_ March 15 through April 15, 2018Λ top
The exhibition THIS IS ORANGE presents new work by Stephan
Ehrenhofer, with particular emphasis on his use of colour.
Colour has always been an essential element of Ehrenhofer’s work, but his
current practice in painting brings the fundamentality and intensity of this
ongoing engagement particularly clearly to light. Intensified impulses and
new ones can be seen in installed wall pieces, objects of disparate
materials, and paintings on paper, presenting a diverse cross-section of the
continuing development of Ehrenhofer’s artistic approach.
Thursday – Saturday 3–7 pm and by appointment
This solo show concludes dr. julius | ap’s tenth season. In May 2018, the
exhibition DECADE ONE will present a collection of familiar
and new work by all the artists in the dr. julius | ap programme: a
retrospective of the first ten years of conceptual minimal concrete art, as
well as a preview of the future.
About the artist:
Stephan Ehrenhofer [b. 1964] has contantly been a part of dr. julius | ap’s
programme since 2008.
His textile-based work begins with the weaving, meshing, or layering of
various materials and media; through further development and manipulation
and the use of his distinctive color palette, the pieces become objects that
radiate boldly into the surrounding space. For years, his palpable pleasure
in experimentation with material and form has led to the creation of widely
varying series and groups of objects, whose diverse appearances are
nonetheless underwritten by the same basic attitude: that the artistically
and constructively well-considered combination of materials that have
previously not been joined can open up new levels of perception and thought.
This approach is the real leitmotif of Ehrenhofer’s work. In this regard,
all his works are simply the embodiment of intellectual freedom; they are
never representations of models from the world of things, but rather new
creations that derive from lifelong observation and analysis—a synthesis of
what he has become aware of in the world.
The key to understanding the inner relationships in all of Stephan
Ehrenhofer’s artistic activities is to be found in his work in the master
class for tapestry in the context of his art studies at the Academy for
Applied Arts in Vienna. The engagement with the time-honoured techniques,
handicraft characteristics and image-forming methods of tapestry-making,
with the aim of carrying this form of expression over into contemporary art,
determines – in all the multifaceted fields of his activity and the most
diverse groups of work in nearly three decades of continuous artistic
production – the basic repertoire of his creative searching.
For him it is a question, according to a predetermined concept and its
resulting plan, of giving form to the essence of his engagement: to create,
using the most varied of materials, with their inherent connections and the
combinations derived from them, works and groups of work, in whose
respective manifestations his other themes, such as the interaction of
colour and colour space, structures and systems, as well as their ruptures
and contradictions, may be identified. This immediately implies that his
works always evolve entirely out of themselves and their inner, conceptually
developed logic, and hence are free of any trace of representation, of
symbolism or expression.
_ 30. November 2017 - 10. Februar 2018Λ top
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_ November 30, 2017 - February 10, 2018Λ top
dr. julius | ap closes out 2017 with ULTRAVIOLETT. The exhibition features works by Jeongmoon Choi and Regine Schumann that enable the viewer to perceive interactions between space, object, and color in unfamiliar ways. HITPARADE, an interactive installation by Gilbert Hsiao, expands the experience with the elements of movement and sound. The use of so-called “black light,” whose special qualities are integral to all three artists’ practices, gives rise to an extraordinary, and comprehensively different experience of art.
The gallery’s main rooms are transformed by the interactions between Korean artist Jeongmoon Choi’s constructive sculptural installation and Cologne-based Regine Schumann’s fluorescent acrylic glass objects. While Choi creates a traversable sculpture from optically dense luminous white surfaces of thread, stretched artistically across the space, Schumann’s radiant wall sculptures mix light to create fields of color that stand in precise relation to Choi’s piece. With the addition of ultraviolet light, the artistic space thus created holds a distinctive magic that is both jarring and fascinating.
In the “Kabinett,” the gallery’s smaller space, viewers can also experiment for themselves with optical effects under a black light by choosing arrangements of spinning discs—vinyl records in standard sizes that Brooklyn-based artist Gilbert Hsiao has painted with geometrical shapes. The visual experience is also influenced by the addition of music: in the background, a symphony plays—but stretched to a length of 24 hours, its extreme slow speed turning it strange and alienating.
Together, the situation of heightened perception offered by these works intentionally explodes the traditional boundaries of a gallery exhibition, presenting an attractive contribution to the field of light-based art, and demonstrating its possibilities as an artistic concept.
Color, light, material, form, and space—in
Regine
Schumann’s [b.1961 in Goslar, Germany] work, these fundamental
concepts of art find unique and highly compressed expression. Though
influenced by painting, through which medium she developed a deep
understanding of color, Schumann left the constraints of the discipline
behind early on in her career. An engagement with light and color, with the
collective effects of their qualities in relation to each other—both the
harmonies and the contrasts—took her work in new directions. After exploring
of a wide variety of materials, for the past years Schumann has concentrated
on fluorescent acrylic glass. In particular, the unique qualities of this
industrially produced material—in terms of light, color, refraction,
control, retention, filtering, and composition—allow a virtuosic range of
possibilities for the artist to engage with her artistic themes. Her acrylic
glass pieces are extremely precise geometric objects, each of whose specific
inner color-worlds relate in constantly subtly changing ways to the play of
light in the surrounding space, which changes according to season and time
of day. The selective use of black lighting emphasizes these interactions
and significantly enhances the visual experience of the color-spaces created
by the work. Each piece develops a unique, highly aesthetic, yet also
sensually perceptible aura. “I invite the viewer to find himself in the
image, to enter into the colored light,” Schumann explains.
Viewed as a whole, Regine Schumann’s work is an impressive example of the
kind of contemporarily significant minimal-concrete art dr. julius | ap is
proud to present. This work challenges the viewer to explore the essential
relationships of things themselves and the world as it is through close
observation and perception. [...]Regine Schumann’s works have been shown in
renowned galleries, museums, and institutions, as well as in many private
and public collections worldwide.
Matthias Seidel, dr. julius | ap
For more than twenty years,
Gilbert Hsiao
[b. 1956 in Easton, Pennsylvania.US] has explored the mechanics of visual
perception. He works with and also against the physiological mechanism of
sight which we all utilize to perceive the external world. He makes work
that, although physically static, appears to move between different kinds of
space that have duration and, at times, speed. Raw experience takes the
place of narrative, history, and interpretation. His paintings of the past
decade, sometimes in form of shaped wooden panels, are characterized by
their use of intricately overlaid, precise stripes of color. The shapes
create an active, continuously shifting surface, with no traditional sense
of top or bottom, left or right. Recently his investigations have led to
work presented in unconventional lighting situations, like ultraviolet
light, and expanded scale, especially works on walls. The interactive
installation HITPARADE was first displayed at the Contemporary Arts Museum
Houston, Texas [US] and Raygun Projects in Toowoomba, Queensland, Australia.
Hsiao’s exhibition venues include MOMA PS 1 [New York], the Indianapolis Museum
of Art, the Contemporary Art Museum Houston, Mass MOCA [Massachusetts], White
Columns [New York], Minus Space [Brooklyn], Gallerie Nara Roseler [Sao
Paolo], IS Projects [Leiden], Sydney Non Objective [Sydney] and dr. julius |
ap, Berlin.
Matthew Deleget, MINUS SPACE, Brooklyn/NY + Matthias Seidel